Ein Interview mit Madeline Bruser

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Anonim
Dana Fleur spricht mit Madeline Bruser, Autorin von Die Kunst des Praktizierens: Ein Leitfaden, um Musik aus dem Herzen zu machen.

Wer sind die Menschen, die am meisten gemeint haben? Sie in Ihrer musikalischen Ausbildung?

Die erste Person, an die ich denke, ist Menahem Pressler, mit der ich zwei Jahre lang an der Indiana University studiert habe. Er hat erstaunliche Ohren für Farbe und Klang - eine außergewöhnliche Sensibilität für musikalische Poesie und Nuance. Er brachte mich dazu, zuzuhören, als hätte ich nie zuvor zugehört, und er brachte mir auch bei, wie man die Klaviertasten anfasst; Er hat das an seinem Beispiel übermittelt. Das Klavier ist ein lebendiges Ding in seinen Händen, und er überträgt seine außergewöhnliche Leidenschaft für Klavierklang. Hören wurde zu einer aktiven Übung für mich, als ich mit ihm lernte. Er wies immer wieder auf Nuancen hin, die ich vermisst hatte. Er wies mich auch auf die Kreativität als Spontaneität hin. Er hatte die Fähigkeit, auf den richtigen Moment zu warten, um eine bestimmte Note zu spielen, sich auf einen Klang einzustimmen bis zu dem Moment, an dem der nächste kommen sollte, um zu wissen, wann dieser Moment gekommen war. Der Klang war wie eine lebende Magie für ihn.

Während meines Studiums bei Pressler fühlte ich mich, als wäre ich von einem Studenten zur Künstlerin geworden, die Magie allein in der Musik entdecken konnte. Ich entwickelte eine intensive Beziehung mit dem Klang und mit dem Instrument. Pressler modellierte künstlerisches Engagement mit Musik und brachte es in mir heraus, so dass ich meine eigene Vorstellungskraft und künstlerische Reaktionen entdeckte. Als ich nach Juilliard wechselte, fühlte ich, dass ich wusste, wer ich als Künstler war. Meine Juilliard-Erfahrung bestand hauptsächlich darin, eine ganze Welt junger Musiker wie mich zu entdecken. Ich fühlte, dass ich meine musikalischen Familienkollegen gefunden hatte, mit denen ich Musik teilen konnte. Das war eine extrem wichtige Zeit in meinem Leben. Es gab mir ein Gefühl der Zugehörigkeit in der Welt.

Frühere Lehrer haben mich für meine Konservatoriumsstudie vorbereitet, indem sie mir eine solide Grundlage in Technik und musikalischem Geschmack und Stil gaben. Sie förderten meinen natürlichen Rhythmus und Ausdruck, zeigten mir Formen und Architektur in der Musik und kultivierten meine Intelligenz. Vor allem Alexander Libermann, mit dem ich in meiner Jugend studiert habe, hat mir eine sehr starke Grundlage in Technik und Musizieren gegeben.

Natürlich waren die ersten Leute, die etwas bewirkt haben, meine Eltern. Sie spielten zu Hause Musik und führten mich zu Konzerten. Schon in jungen Jahren lernte ich Musik als einen grundlegenden Teil des Lebens kennen, wie Bücher oder Essen. Mein Vater war ein erstaunlicher Amateurpianist, fast ausschließlich Autodidakt. Ich erinnere mich, dass er jeden Morgen und Abend spielte, während ich frühstückte oder einschlief. Er hatte eine sehr sanfte Berührung, die einen tiefen Eindruck auf mich machte.

Ich fühle mich auch den Lehrern sehr verbunden, die ich später bei John Crown an der Universität von Südkalifornien, Jeanne Stark-Iochmans in Berkeley und Paul Hersh bei das San Francisco Konservatorium. Ich hatte nur fünf Stunden bei John Crown, bevor er eine tödliche Krankheit entwickelte. Aber in dieser kurzen Zeit hat er mir etwas sehr Wichtiges beigebracht, das war, mir Zeit zu nehmen und zuerst Trost in das Lernen eines Stückes zu legen, bevor ich versuche, die volle Dynamik zu erreichen, und auch vorher Geschwindigkeit zu erreichen. Und Jeanne Stark-Iochmans und Paul Hersh, die beide großartige Musiker sind, haben mir entscheidende Aspekte des Rhythmus näher gebracht, Dinge, die den entscheidenden Unterschied ausmachen, um eine lebendige, zusammenhängende Aufführung eines Stückes zu schaffen.

All diese Lehrer waren sehr warmherzig und pflegend, was für mich als junger Musiker so wichtig war.

Sie haben Achtsamkeitsmeditation praktiziert, seit Sie 1977 Ihr Masterstudium abgeschlossen haben. Was genau hat Sie zur Meditation geführt und wie hat es Sie verändert? Musiker?

In meinen späten Zwanzigern hatte ich das Gefühl, dass bei meinem Spiel etwas fehlte, und ich wollte mich auf der Bühne entspannter und selbstbewusster fühlen. Ich erinnerte mich, dass die Meditation, die ich einmal für ein paar Tage ausprobiert hatte, eine entspannende Wirkung hatte, also versuchte ich es erneut. Und diesmal bin ich dabei geblieben. Es hat mein ganzes Leben als Musiker verändert. Es verlangsamt meinen Geist und räumt es mit vielen fremden Gedanken auf, so dass ich offener und empfänglicher sein kann. Ich bemerke alles deutlicher die Qualität von Klängen und Empfindungen und wie sie mich beeinflussen, die Energie in meinem Körper, während ich spiele, wie sich meine Hände und Arme bewegen, meine Gedanken und Gefühle. Und diese erhöhte Offenheit bedeutet auch, dass ich kreativer sein kann, weil mehr Platz in meinem Kopf ist, mehr Austausch zwischen mir und der Musik stattfinden kann, und auch zwischen mir und dem Zuhörer. Ich bin mehr mental und emotional verfügbar und bereit, mich und die Absichten des Komponisten auszudrücken. Ich kann tiefer in ein Stück gehen und Musik kann mich freier durchströmen.

Um diesen ganzen Prozess zu beginnen, musste ich meinem Bedürfnis nach Entspannung nachgeben. Ich war müde von freudloser, zwanghafter Arbeit am Klavier, erfüllte Fristen für Auditions und Konzerte. Ich brauchte Freiheit, um meine natürlichen Neigungen zu finden, um herauszufinden, wer ich wirklich war Pianist, Künstler und Person. Anfangs entspannte ich mich so sehr, dass ich das Klavier überhaupt nicht mehr übte. Ich brauchte zwei Monate, um wieder dazu zu kommen, und als ich mich wiederfand, arbeitete ich auf eine ganz andere Art und Weise mit Details, genoss sie sehr, ging langsam und absorbierte die Musik viel tiefer und reagierte mehr auf jeden klingen. Ich fing an, meinen Schülern das beizubringen.

Ich wurde auch empfänglicher für meine Schüler. Tatsächlich hatte Carl Rogers 'Buch Freiheit zu lernenmir das ein Jahr früher geholfen. Dieses Buch lehrte mich, mit meinen Schülern ins Gespräch zu kommen und sie zu ermutigen, ihre eigene Intelligenz zu entwickeln, anstatt ihnen nur Informationen und Ideen zu geben. Es zu lesen, war Teil meiner Bewegung zu einer angenehmeren Erfahrung mit Musik als Lehrer zuerst und dann als Darsteller. Ich habe als Musiker ein enges Leben gelebt.

Wer zu Unterricht oder Workshops zu mir kommt, sucht im Allgemeinen nach mehr Freude und einer tieferen Verbindung zur Musik und zu sich selbst. Sie wissen, dass die extremen Anforderungen, die wir als Musiker an unsere Instrumente stellen, um Körper, Geist, Ohren und Emotionen zu koordinieren, leicht dazu führen können, dass wir die Freude verlieren, die uns an die Musik gebracht hat. Es ist ähnlich wie andere hoch anspruchsvolle Aktivitäten, die zum Beispiel ein Kind erziehen. Man muss auf die Bedürfnisse des Kindes achten, seine eigenen Bedürfnisse nicht vernachlässigen, das Haus mit Essen versorgen, eine gesunde Umwelt bewahren, Familienkonflikte lösen und Unordnung in Schach halten, sowohl den Komfort der Routine als auch die Freiheit von Brechen Routine manchmal, die ganze Zeit leben und halten mit wesentlichen Lese-und sozialen Bindungen außerhalb des Hauses. Wie macht man das alles? Du musst dich entspannen. Das macht es möglich, sich auf das zu konzentrieren, was getan werden muss und darauf, was Ihre Aufmerksamkeit zu einem bestimmten Zeitpunkt benötigt.

Wie ist es, den Schülern eine aufnahmebereitere Methode des Übens zu vermitteln?

Ich muss sehr aufnahmebereit sein zu ihnen ,um herauszufinden, was sie bereits über ihren Arbeitsprozess und ihr Leistungsniveau wissen und wo sie Fragen haben oder offen für neues Verständnis sind. Was wunderbar ist, ist, dass keine zwei Schüler gleich sind, jeder einzelne ist einzigartig und anders. So lerne ich immer neue Unterrichtsmethoden während ich arbeite, indem ich sie beobachte und spontan so gut wie möglich mit ihnen zusammenarbeite. Ich finde es sehr kreativ und fröhlich.

Es ist sehr interessant, die ganze reiche Tradition, die wir als Musiker geerbt haben, mit dem besonderen Ansatz, den ich entwickelt habe, zu verbinden, der viel auf das Zuhören und auf effiziente Körpermechanik konzentriert. Was ich den Menschen wirklich behilflich bin, ist es, körperlich aktiv zu sein, was man offensichtlich tun muss, um ein Instrument zu spielen, indem man für die Musik aufnahmebereit ist, um ein offener Kanal für die Musik zu werden. Manchmal kann ein Schüler dies erreichen, indem er einen bestimmten rhythmischen Ansatz anwendet, was Teil dessen ist, was ich als Musikstudent gelernt habe. Oder, wenn sie sich einer wirklich freien Erfahrung nähern, eine bestimmte Passage mit Hilfe von meditativen Hörtechniken zu spielen, kann es sein, dass ich visuelle Bilder vorschlage, um ihnen zu helfen, die Musik zu verstehen. Die Verwendung von Bildern ist ein großer Teil des traditionellen Musikstudiums. Bilder können direkt mit dem Schüler sprechen und erlauben ihren Händen, die Bilder irgendwie in musikalische Effekte zu verwandeln. Unzählige Elemente arbeiten im kreativen Lernprozess zusammen.

Die Herausforderung für Studenten (wie auch für professionelle Musiker) besteht darin, technische und musikalische Details genauestens zu beachten. Das ist der Punkt, an dem unser Widerstand sichtbar wird. Wir haben alle unsere Möglichkeiten, Details in der Musik zu ignorieren, genauso wie in unserem Leben, und meine Aufgabe ist es, die blinden Flecken eines Schülers zu bemerken und ihnen zu helfen, zu verstehen, was sie vermissen Fähigkeit, es zu sehen, wo sie Noten überstrichen oder in irgendeiner Weise überanstrengt und eine vollständigere Verbindung zur Partitur entwickelt haben. Oft ist eine körperliche Angewohnheit Teil des Problems, und dann zeige ich ihnen eine einfachere Art, ihre Hände und Arme zu benutzen oder, wenn nötig, den Durchgang in die kleinsten physischen Komponenten zu zerlegen, ihnen zu zeigen, wie die Bewegungen zu den musikalischen Gesten passen und fließen. Es ist, als würde man ihnen eine neue Sprache beibringen, die sie sowohl durch Osmose als auch durch sorgfältige Analyse absorbieren, bis sie sie schließlich sprechen können, sie können es einfach tun. Dann ermutige ich sie, hinauszugehen und es selbst zu unterrichten.

Du trainierst also sowohl Lehrer als auch Darsteller?

Einige Schüler haben eine besondere Wertschätzung für den Prozess und können ihn klar und künstlerisch sinnvoll artikulieren. Wenn ich dieses Geschenk für den Unterricht sehe, lade ich sie ein, an Lehrerworkshops teilzunehmen, wo sie lernen und einander beiwohnen. Sie spielen abwechselnd die Rolle des Schülers und des Lehrers im Scheinunterricht und erhalten Feedback von mir und von der Gruppe.

Wie arbeitet Ihr Ansatz mit weniger fortgeschrittenen Schülern?

Weniger fortgeschrittene Schüler können oft einen neuen Ansatz leichter erlernen weil sie weniger Gewohnheiten zu überwinden haben. Ich habe tatsächlich viele Anfänger unterrichtet, die von Anfang an lernen, ihren Körper effizient einzusetzen. Und ich habedavon profitiert, ihnenbeizubringen, weil ich beim Erlernen des Ansatzes von Anfang an viel darüber gelernt habe, wie es funktioniert. Auf diese Weise ist es für jemanden, der sich umschult, einfacher, genau zu analysieren, wo ein Problem darin besteht, wie er seine Hände benutzt. Dies war besonders nützlich bei der Umschulung von Pianisten mit praxisbedingten Verletzungen, die alles auf ein Anfängerniveau verlangsamen müssen, um wiederzuerlernen, wie man ihre Hände und Arme benutzt.

Wir sind alle Anfänger in gewisser Weise die Anforderungen eines Lernens Musikstücke sind so großartig, dass wir ständig mit unserem eigenen Mangel an Verständnis konfrontiert sind, und wir müssen jeden Tag neue technische und musikalische Lösungen finden.

Ermutigen Sie Ihre Schüler zur Meditation?

Nur wenn sie Interesse bekunden. Was oft passiert ist, dass wenn ein Student den Ansatz absorbiert, beeinflusst er ihr Leben bis zu einem gewissen Grad, beginnen sie natürlich auch, die Details in ihrem Leben zu verlangsamen und zu schätzen; Sie entspannen sich und werden sich ihrer Umgebung bewusst, weil ihr Geist durch das Praktizieren von Musik so trainiert wurde. Dann können sie sich dem Meditieren nähern oder nicht. Aber ich dränge niemanden in diese Richtung. Natürlich wissen sie, dass ich ein Sommerprogramm namens Meditation für Musiker anbiete, und einige von ihnen nehmen das Programm. Aber auch dann liegt der Fokus darauf, wie Meditation für sie in Praxis und Performance hilfreich sein kann.

Warum hast du aufgehört zu performen?

Indem ich so viel mit Musik verband, verband ich auch mein ganzes Leben mehr. Beruflich kam der Schlüsselmoment, als ich am Klavier eine neue Haltung entdeckte, die direkt aus der Meditationspraxis kam, indem ich jeden Tag für eine bestimmte Zeit still und aufrecht saß, egal welche Emotionen durch meinen Körper gingen. Diese Disziplin führte nach acht Jahren dazu, dass ich auch am Klavier eine einfache, aufrechte Haltung bewahren konnte, egal wie emotional die Musik war. Ich konnte die Musik einfach durch mich fließen lassen, ohne darauf zu reagieren oder sie zu manipulieren. Es ist einfach so passiert, dass ich gerade so gespielt habe. Dann haben meine Schüler diese Haltung versucht, und alle haben auf der Stelle 100 Prozent besser gespielt. Und das war wie Glühbirnen in meinem Kopf. Mir wurde plötzlich klar, dass ich etwas Wichtiges zu unterrichten hatte, und das wurde für mich spannender als das Aufführen.

Gleichzeitig musste ich mein persönliches Leben mehr entwickeln und fühlen Ich musste viel verlorene Zeit nachholen. Und ich entdeckte, dass ich gerne schrieb. Ich habe das Gefühl behalten, ein Künstler zu sein, der Seminare gibt, die für mich wie Aufführungen sind. Viele Leute denken, dass das Musizieren so speziell ist, dass sie nicht verstehen, wie jemand es jemals aufgeben könnte. Ja, das war sehr speziell für mich. Es war alles, was ich jemals tun wollte. Aber dann verliebte ich mich in das Lehren und Schreiben von Büchern. Es scheint so zu sein, was ich tun sollte, und es war eine ganz neue Welt.

Du hast also mehr als ein Buch geschrieben?

Ich schreibe jetzt ein zweites Buch über die Entwicklung von Freiheit und Vertrauen in die Performance.Es war wunderbar, einen Ansatz für die Performance zu finden, der nicht nur durch meine eigene Erfahrung als Performer und Meditierer, sondern auch durch viele Interviews mit Schauspielern, Tänzern und Musikern geprägt ist. Was ich lehre und schreibe, ist nicht exklusiv für die Erfahrung von Meditierenden; Es ist eine universelle Erfahrung, die die Künstler teilen. Es gibt eine kollektive Weisheit darüber, wie man sich über Leistungsangst erhebt und im Rampenlicht steht. Das ist sehr aufregend für mich, und ich hoffe, es wird den Interpreten zugute kommen.